(Andrew Warhola; Pittsburgh, EE UU, h.
1928-Nueva York, 1987) Artista plástico estadounidense. Hijo de
emigrantes checos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie
de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en
Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas
revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker.
Al mismo tiempo pintó
lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno
cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en
diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier
rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un
elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del
consumo o los medios de comunicación.
Dicha
evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando
pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de
serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la
sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las
series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao
Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa
Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de
1960.
El uso de imágenes de difusión masiva,
fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya
mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en
uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En
otras ocasiones, plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes,
luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática Electric chair es una de sus obras más significativas.
Este apropiacionismo, constante en los trabajos
de los partidarios del pop art, se extendió a obras de arte de carácter
universal y de autores como Rafael, De Chirico, Munch o Leonardo. Se
caracterizan las obras de esta época por su libérrima manipulación y la
polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas
veces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y
brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y,
a menudo, angustiosa. Mediante la reproducción masiva consiguió
despojar a los fetiches mediáticos que empleaba de sus referentes
habituales, para convertirlos en iconos estereotipados con mero sentido
decorativo.
Otra faceta destacada de su obra es su
potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus
conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó
la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos
personajes de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la
extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron a la postre una
línea coherente entre obra y trayectoria vital; su peculiar aspecto,
andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo
característico, acabó por definir un nuevo icono: el artista mismo.
De hecho, fue uno de los primeros creadores en
explotar conscientemente su imagen con objetivos autopromocionales; de
ese modo, y mediante un proceso de identificación, adquirió a los ojos
delMarilyn Monr público significaciones propias de un producto publicitario más. En
1963, inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios
que su obra plástica (como la reiteración visual), de fuerte contenido
sexual y erótico: Empire, Kiss, Chelsea girls. En una última etapa
retornó a un formato más tradicional y rodó The love y Women in revolt.
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